por Wybe Kuitert
Resumen
Musgo, piedra, árboles y arena dispuestos en composiciones llamativas o de aspecto natural: la tradición de establecer y refinar el paisaje ha sido la labor de los jardineros y diseñadores japoneses durante siglos. En Jardines y paisajes japoneses, 1650-1950, Wybe Kuitert presenta un estudio profusamente ilustrado de los jardines y las personas que los encargaron, crearon y utilizaron, y narra la modernización de la estética tradicional en el contexto de la transformación económica, política y medioambiental.
Kuitert comienza en el periodo Edo (1603-1868), cuando los señores feudales recrearon el paisaje del campo como espacio privado.
Durante este mismo periodo, y siguiendo modelos literarios chinos, los eruditos y hombres de letras veían el campo en sí mismo, sin artificios, como el espacio ideal en el que reunirse con los amigos y tomar una taza de té.
Los administradores de posadas, casas de té y templos, por otro lado, seguían diseños de jardines cada vez más clichés prescritos en libros de patrones populares y producidos en masa. A finales del siglo XIX y principios del XX, los nuevos y ricos industriales de Tokio adoptaron la estética de los señores feudales, encontrando un gran atractivo en los paisajes naturalistas y los bosques caducifolios.
Enfrentada a la modernización y a Occidente, la tradición adquirió inevitablemente significados diferentes. Los occidentales, que buscaban entender la cultura de los jardines japoneses, encontraron sus respuestas en los clichés de los libros de patrones, mientras que en Japón, los paisajes privados se hicieron públicos y se diseñaron de forma respetuosa con el medio ambiente, todo ello patrocinado por el gobierno. Un arte antiguo, esotérico y elitista extendió su alcance a todos los sectores de la sociedad, sobre todo con la amplia reconstrucción que tuvo lugar tras el terremoto de Tokio de 1923 y el final de la Segunda Guerra Mundial. Tras la destrucción surgió un nuevo modelo de parques públicos sostenibles y una mayor conciencia ecológica, arraigada sobre todo en el paisaje natural de Japón.
Con más de 180 fotografías y reproducciones en color, Jardines y paisajes japoneses, 1650-1950 ilustra una historia de cambios y continuidades a lo largo de tres siglos y defiende con elocuencia las lecciones que debemos aprender de la tradición japonesa a medida que nos enfrentamos a los retos de un hábitat humano en rápida transformación.
Reseña de Kendall Brown
Desde que Josiah Conder publicó The Art of Landscape Gardening in Japan en 1893, ha habido un flujo constante de libros en inglés sobre jardines japoneses. La gran mayoría, para bien o para mal, se explayan sobre las características del diseño, a menudo vinculando formas a símbolos. La tendencia es esencializar las cualidades de la cultura japonesa, a menudo zen, a través de los jardines. Estudios académicos recientes se centran en creadores de jardines concretos (Shigemori Mirei [1896-1975]), tipos de jardines (jardines de té) y jardines japoneses en Europa y América. Sin embargo, para conocer la evolución de los jardines en un contexto social, la mayoría de los lectores siguen recurriendo a la obra de Loraine Kuck El arte de los jardines japoneses, publicada por primera vez en 1940 y reimpresa en 2006, y revisada en 1968 como El mundo de los jardines japoneses: De los orígenes chinos al paisajismo moderno.
El historiador de jardines y arquitecto paisajista Wybe Kuitert dio un primer gran paso para complicar estos relatos a menudo reduccionistas con su libro Themes, Scenes, and Taste in the History of Japanese Garden Art (1988). Revisado como Themes in the History of Japanese Garden Art (University of Hawai’i Press, 2002), explora sutilmente los jardines japoneses como manifestaciones de la evolución del gusto, la creatividad y la función, desde los palacios aristocráticos utilizados para ceremonias y fiestas hasta los paraísos de la Tierra Pura, y de nuevo desde los jardines escénicos inspirados en la cultura Song china de los templos zen del siglo XIV hasta los de principios del siglo XVII asociados al gusto por el té de Kobori Enshū. El presente libro es, en muchos sentidos, la pieza complementaria de esa historia social e intelectual. En primer lugar, amplía la investigación a través del periodo Edo, analizando los jardines daimyō, los jardines de estilo tsukiyama y, por último, el aprecio liberador por el campo de los literatos devotos del sencha (té remojado). Aproximadamente dos tercios del libro se centran en un tema prácticamente intacto en los escritos en lengua inglesa sobre los jardines japoneses: los dramáticos debates sobre la identidad, el estilo y la función de los jardines y paisajes desde principios del periodo Meiji hasta la Segunda Guerra Mundial, a medida que se descubría el patrimonio cultural de Japón junto con las nuevas ideas de Occidente. El mayor logro de Kuitert consiste en presentar cuidadosamente su propia investigación junto con décadas de erudición japonesa.
La rica y refrescante historia social de los jardines de principios de la Edad Moderna y de la Edad Moderna de Kuitert está estructurada como una polémica contra la visión ortodoxa de los jardines japoneses como una forma de arte autorreferencial, basada en reglas e impulsada por el simbolismo, que considera los espacios tridimensionales como si fueran pinturas bidimensionales o, peor aún, instalaciones escultóricas. Liberada de tales limitaciones, la mejor naturaleza de los jardines, argumenta Kuitert, surge en los discursos sobre el paisaje basados en la conexión humana con la naturaleza, ya sea la naturaleza como objeto en sí misma (natura naturata) o la naturaleza concebida abstractamente (natura naturens) como proceso. En lugar de tratarse de ideas abstractas de cultura nacional, estos jardines sirven para mejorar la vida cotidiana. Dado que el prefacio del libro es impreciso en cuanto a esta tensión entre dos enfoques definidos vagamente como «nacionalismo» y «naturalismo», es posible que los lectores quieran empezar por el epílogo, donde Kuitert expone su misión y su andamiaje intelectual.
Kuitert comienza su revisión de la historia estándar de los jardines con los jardines daimyō, interpretándolos no tanto como elaborados símbolos de estatus llenos de complejas referencias culturales que redundan en la gloria del mecenas, sino como lugares de juego y retiro, donde se da rienda suelta al placer de la imaginación [Fin de la página 205] para reproducir el bucólico campo. Este énfasis en el juego en el diseño y la función se encuentra en el Rikugi’en de Yanagisawa Yoshiyasu (1658-1714), que aún se conserva, donde las tradiciones de referencia poética se abrieron para permitir la creación de nuevos versos, y en el dinámico reciclaje físico y cultural del desaparecido Yokuon-en de Matsudaira Sadanobu (1759-1829) y la Villa Toyama del Shogun Tokugawa Ienari (1773-1841). En esta última, el jardín, más que un entorno poético cerrado, era un «espacio narrativo» abierto que incluía una versión simulada de la ciudad postal de Odawara, donde el shogun y sus invitados organizaban fiestas en las que se disfrazaban de mercaderes…